Tanto la interpretación como la crítica son artes de interpretación. Los dos requieren un procesamiento de la alteridad, y tomar nada y convertirlo en algo. Cuando se agrega la repetición, surgirán variables inevitables, que dan una volatilidad tan emocionante al teatro, la música en vivo y las artes escénicas. De alguna manera, la reconstrucción de películas podría ser el equivalente a los actos de reinterpretación que se encuentran en las formas de arte antes mencionadas. La obsesión actual de la industria por rehacer, por supuesto, no está alimentada de ninguna manera por la creatividad conceptual que la reinterpretación puede aportar a una obra de arte, sino por la perspectiva comercial del capital nostálgico.
Es algo maravilloso, entonces, cuando una nueva versión se centra en las posibilidades creativas que puede traer el revisionismo. Tanto la presentación como la crítica de las versiones de 1972 y 2007 de la obra de Anthony Shaffer, Detective, son un gran ejemplo de cómo la percepción de una obra que ha sido realizada en varias ocasiones, cambia a lo largo del tiempo. Ambos brillantes a su manera, a pesar de provenir del mismo material de origen, estas excelentes películas difieren mucho entre sí y revelan cómo se puede hacer una gran nueva versión.
¿De qué se trata Sleuth?
20th Century Fox
La ilustre carrera de 40 años de Joseph L. Mankiewicz en Hollywood (parcialmente cobra vida en la reciente película hombre) encontró en su última película la brillante, misteriosa, hilarante y siniestra adaptación de la obra de Shaffer, Detective. Shaffer también escribió los guiones de la subestimada película de Hitchcock. Frenesíla clásica película de terror popular El hombre de mimbrey la vieja película de Hércules Poirot Muerte en el Nilopero Detective es sin duda su obra más escénica. La historia encuentra a Andrew Wyke (Laurence Olivier), un famoso escritor de novelas policíacas, invitando a Milo Tindle (Michael Caine), el amante de su esposa, a su lujosa mansión.
Lo que primero comienza como una propuesta para quitarle a su esposa de las manos en un elaborado fraude de seguros resulta ser más que eso, y así comienza un juego peligroso entre ambos hombres. La película fue un gran éxito, con dos increíbles actores intercambiando ingeniosas púas en su persecución del gato y el ratón; Olivier y Caine intercambian golpe por golpe, aprovechando al máximo cada escena y encontrando una química innegable en su oficio. La dirección de Mankiewicz también es sobresaliente; su atención al detalle, la construcción de la historia, su tensión y su habilidad para entrelazar una muy buena marca de humor, hicieron de su esfuerzo final como director un ejemplo perfecto de lo que un director experimentado puede hacer por una producción teatral traducida a una película.
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35 años después, esta brillante obra sería reescrita por el ganador del Premio Nobel Harold Pinter, dirigida por Kenneth Branagh y protagonizada por Jude Law como Tindle, con el ahora mayor Michael Caine asumiendo el papel de Olivier como el marido cornudo, Wyke. La recepción esta vez fue muy diferente; la película fue criticada por la mayoría de los críticos, quienes encontraron todo lo que amaban de la obra original y la primera adaptación cinematográfica quitado.
Sin embargo, esta reducción del material es precisamente lo que hace que la versión de 2007 sea un trabajo que vale la pena revisar. El enfoque de Branagh y Pinter para la obra es verdaderamente original para su época y, a pesar de «faltar el respeto» a mucho de lo que hizo que los giros de la historia fueran, tiene su propia forma de torcerse y doblarse a lo largo de su duración. En lugar de una nueva versión por números, este Detective hace algo especial; como Roger Ebert dijo en ese momento, «El programa del festival fue más preciso y lo describió como ‘una transformación fascinante’. Así es. No cometas el error de pensar que si has visto la obra de teatro o la película anterior, tienes esto cubierto».
El primer detective es un laberinto de diversión
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El guión de la versión de Mankiewicz fue creado por el propio escritor, Anthony Shaffer. Comprensiblemente, se mantiene fiel a la obra y sus temas sin muchas desviaciones. Desde el principio, existe la urgencia de establecer la figura arquetípica de Andrew Wyke como escritor de crímenes, su estatus social, obsesiones y excentricidad. La principal forma de mostrar esto es a través de su mansión, llena de juguetes, autómatas, disfraces, todos sinónimos de su excentricidad, además de las imágenes visuales relacionadas con el aspecto de una casa de clase alta que establece su estatus socioeconómico.
Su profesión es muy destacada y es parte relevante de su carácter. La obsesión por las ideas y las tramas, misterios que discurren por laberínticas complicaciones y desvíos, configuran la propuesta que finalmente le ofrece a Milo, pues el desarrollo de la misma pasa por el mismo carácter lúdico de sus novelas. A pesar de todo, Olivier es absolutamente divertido.
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También es a través de su prejuicio que se contextualiza el personaje de Milo Tindle. Hijo de inmigrante, peluquero, joven, moderno, es todo lo que Wyke encuentra ofensivo. Bajo una cortesía superficial, el novelista hace comentarios agudos, ingeniosos y ofensivos sobre los antecedentes, el origen étnico y la clase de Milo, a lo que el joven peluquero reacciona y se involucra en un astuto juego de justas verbales.
Los momentos cómicos abundan en la película; Incluso en los momentos más sombríos de la película, Olivier y Caine aprovechan al máximo lo absurdo de sus personajes, exagerando a propósito algunas de sus expresiones hasta el punto de que ya no son kitsch ni cursis, sino simplemente extrañas y divertidas. A pesar del giro oscuro en el acto final, la película es consistente en su tono, combinando el misterio con la comedia oscura, sin que parezca dramática, sino atrevida y entretenida.
El remake es una bestia sexy
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La versión de Branagh no es un drama de época; está ambientado en un presente que es tan modernista que casi parece futurista. Las primeras escenas muestran imágenes de seguridad de la mansión de Andrew, que detallan la llegada de Milo. Esto se destaca de manera destacada a lo largo de la película, y pasa un tiempo antes de que Caine y Law se vean de cuerpo entero en el cuadro. Vistas desde arriba, desde debajo de la cintura, con detalles de sus manos y la parte posterior de sus cabezas, estas son las primeras imágenes de los personajes que recibe la audiencia, que encajan con el estilo casi posmoderno de la película.
Se prefieren los cuerpos a la mansión, que aquí cambia drásticamente. No es una mansión campestre inglesa clásica. No, el interior es brutalista y moderno, las esculturas y pinturas parecen sacadas de una revista de arquitectura, contrastando fuertemente con la de 1972. El calor y la luz del sol se olvidan en esta casa, donde Law y Caine conviven en un espacio oscuro iluminado con luces multicolores controladas por control remoto, que parece más un club que la residencia de un millonario. Todo este modernismo se ubica adecuadamente en el trasfondo de la película a favor de los actores, ya que es parte de la interpretación de Harold Pinter y Kenneth Branagh de temas que sintieron que no salían a la luz en el original.
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Aquí, Wyke no es un inglés clásico excéntrico y obsesionado con los juegos: la versión del personaje de Caine es una persona mucho más obsesionada con el control que con cualquier otra cosa. La vigilancia y la tecnología expuestas son un reflejo del interior del hombre, como lo fueron los juegos y los juguetes para el retrato de Olivier; no quiere jugar con Milo ni darle una lección, desea dominarlo.
Tiene sentido, entonces, que Tindle sea mucho más suave y emocional. La representación original de Caine estuvo marcada por la confianza y la fuerza; Law es desde el principio no solo más joven, sino más frágil e inseguro (aquí es un actor y no un peluquero, una sabia elección). La dominación y el control son fundamentales para el desarrollo de la relación de los personajes. Si bien miden el intelecto de cada uno (aunque no en la misma medida que la primera película), la película se refiere menos a sus cerebros que a sus cuerpos.
El detective de 2007 se vuelve raro
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La película de 2007 se centra en una noción que se da por sentada en la versión anterior: se trata de dos hombres dentro de un mismo espacio que se dedican a algo que los une, pero algo que está ausente (la mujer que ambos ‘quieren’). Más que nada, aquí Andrew y Milo están midiendo la distancia física entre ellos. Escenas como el ascensor uno detalle un creciente tensión homoerótica que se vuelve más y más explícito a medida que avanza la película.
El tercer acto aquí está absolutamente cambiado; después de que Milo le responde a Andrew, en lugar de iniciar otro juego y él es el que propone algo, es Wyke quien ilustra el elefante en la habitación centrándose en una frase utilizada en el original. “Eres mi tipo de gente”, dice. Este es el núcleo de lo que hace que esta versión sea completamente propia. Luego, ambos personajes abandonan a las mujeres que los encuentran discutiendo y comienzan una conversación ambigua que parece estar coqueteando, lo que, por supuesto, nunca se reconoce. Una vez más, sin embargo, se trata de poder (el tema explícito a lo largo de las obras de teatro de Pinter).
La historia toma un camino extraño ya que ambos no tienen muy claro lo que quieren. Tindle, como actor, hace que todo sea aún más ambiguo, y nunca está claro exactamente lo que quiere, lo que le da la vuelta a Wyke, que parece estar completamente desnudo, emocionalmente. Al final, es un anciano solitario que busca compañía más que cualquier otra cosa. La película termina igual que la original, solo que esta vez no es el orgullo lo que hace que Andrew haga lo que le hace a Milo, sino el deseo insatisfecho y reprimido.
Ambas versiones de Sleuth son únicas
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Elegir enfocarse en lo que no se dice, reducir el tiempo de ejecución y cambiar violentamente la segunda mitad de la película hizo que la visión de Branagh fuera mucho más divisiva. Sin duda, le quita mucha diversión y alegría al juego de Shaffer, acercándolo más a las tomas de poder casi experimentales del trabajo de Pinter. La versión de 1972 es, con mucho, una película más completa en cuanto a dirección y ejecución, y la actuación es clásicamente sencilla. La versión de 2007 es ingeniosa e impredecible, pero no exactamente «divertida». Es oscuro, áspero en los bordes, y camina sin vacilaciones hacia la confrontación.
Mientras que una película trata sobre el respeto y lo que depara el mundo exterior de cada uno de los hombres, la otra trata sobre el control y sus deseos más íntimos. La más antigua es una batalla intelectual abierta a través del uso del mundo físico, mientras que la película más nueva es una danza claustrofóbica y de ritmo lento entre dos cuerpos llenos de una sexualidad interior ambigua. Cada versión muestra cómo una adaptación puede convertirse en su propia fuente y cómo las nuevas versiones pueden ser geniales. Detective hace un caso brillante para el revisionismo artístico y las posibilidades que la creatividad puede traer al trabajo previamente adaptado.
